LA MOSAÏQUE SURJOUÉE À ARLES

À Arles, l’artiste américano-cubain Jorge Pardo a galvanisé les murs et sols de l’Arlatan, loin des standards classiques de la déco. Au total, Six mille mètres carrés recouverts de deux millions et demi de carreaux de céramiques vernis à la main. Un véritable kaléidoscope architectural au cœur de la ville d’Arles.

À quelques mètres de l’Arlatan, India Mahdavi signe la décoration tout aussi vibrante du boutique-hôtel Le Cloître. Dans la salle de bain et la chambre, elle réinvente l’art millénaire avec un patchwork de contrastes noir et blanc qui dénote avec l’ancienne mosaïque camarguaise au sol.

FRESQUES ROMANESQUES PAVÉES

Comme les Romains dans l’Antiquité, puis les artistes italiens durant les années 1950, les mosaïstes contemporains s’amusent à re-créer d’immenses décors et fresques romanesques à partir de milliers de petits carreaux de céramique. Derniers exemples en date : l’œuvre de l’artiste américain Isaiah Zagar à l’Ace Hotel Brooklyn qui dépeint un repas gourmand résolument décalé. Ou encore les portraits du restaurant géorgien Khachapuri pavés à partir de tesselles récupérées sur un ancien camp soviétique.

MATHILDE JONQUIERE

En France, c’est la mosaïste Mathilde Jonquiere qui maîtrise l’art de marteler et assembler des fragments de matériaux – émaux de Venise, de pâte de verre et de tesselles d’or – pour façonner des décors précieux qui rappellent les créations de haute couture. Dans ce conglomérat de matières, elle exprime le rapport de valeur entre le mat et le brillant, le fade et le coloré, le vide et le plein, et plonge les institutions – Madrid, Hermès Maison – dans des univers grandiloquents.

MOSAÏQUE ET UPCYCLING

La mosaïque se renouvelle aussi sous les mains de jeunes designers qui l’utilisent dans un mash-ups d’influences et de techniques de production, notamment la poterie et l’upcycling avec la récupération et l’incrustation de bris de matériaux et d’objets glanés : verre, coquillages, céramique… Parmi eux on peut nommer Katie Stout, Morgan Peck ou encore la marque Memor.

NÉO MOSAÏQUE

L’artiste hollandaise Suzan Drummen invente un nouveau type de mosaïque hyper fantaisiste inspiré des mandalas hindous. Sur tout type de support – sols, murs, vêtements, peau – elle improvise des sphères kaléidoscopiques à partir de strass, de sequins, de pierres, de miroirs, de verre colorés…

TROMPE-L’ŒIL OPTIQUE

Les vibrations optiques de Victor Vasarely sont plus que jamais célébrées. Dans la mode, l’art et le design, les créatifs rendent hommage aux compositions du père de l’Op Art à travers des looks de mosaïques en trompe-l’œil. Particulièrement Julien Dossena, directeur artistique de Paco Rabanne, qui faisait défiler un vestiaire hypnotique pour sa collection printemps-été 2022 au sommet du Palais des Congrès de Monaco, sur la mosaïque géante Hexa Grace de Vasarely.

Sur le site GOODMOOODS : https://www.goodmoods.com/fr/moodboards/mosaique

Un décryptage imaginé avec la complicité de Plendi by Vinci Construction, qui jongle avec les matériaux rares et savoir-faire singuliers pour ses réalisations d’exception.

LA CORDE COMME MATÉRIAU D’ART

Cheffe de file de ce renouveau, l’artiste-designer Joana Schneider transforme des rebuts de corde en véritables œuvres organiques.

Son inspiration ? Les filetiers du village de Katwijk en Hollande dont elle a appris les techniques de filature pour les traduire en savoir-faire textiles contemporains, finement associés à une approche durable et responsable.

Dans ce thème, on retrouve aussi Doug Johnston et ses créations fabriquées à partir de cordes de coton brut enroulées dans des jeux de couleurs doux et subtiles.

LUMINAIRES TENUS À UN FIL

Dans un lexique plus connoté, les cordes d’escalade et les cordages de voiliers sont détournés par les designers et éditeurs : la lampe de table nomade Quasar de Petite Friture, les baladeuses Piton de Muuto, les suspensions ROPES de Christian Haas… Les lampes s’harnachent de nœuds marins et de boucles de grimpeurs et font basculer les intérieurs vers les monts alpins.

CORDAGES FANTAISISTES

D’autres repoussent encore plus les limites du travail de la corde et façonnent des créations hyper fantaisistes et expressives. Des totems encordés de Joana Schneider aux poissons multicolores de Porky Hefer en passant par les poufs emmêlés de Kwangho Lee et les gants en patchwork de cordes de Bertjan Pot, ils inventent avec dextérité un nouveau tissage, extrêmement décoratif.

LA CORDE AU SAC

Les sacs se mettent la corde au cou. Sarah Belfer ou ASZPAK, deux nouvelles griffes d’accessoires de maroquinerie françaises, troquent leurs anses traditionnelles contre des cordes d’alpinisme. Résultat : des looks sport-chics pour passer de la ville à la montagne sans compromis de style.

LA COLLAB

Alexandre Pavão s’unit cette année avec FILA pour une collection vibrante placée sous le signe de la « haute altitude », marque de fabrique du créateur brésilien : mousquetons, élastiques de réglage, corde de rappel, surpiqûres et nylon… Une collaboration loin d’être de sac et de corde.

LA CORDE EN ORNEMENTATION

Dans l’artisanat d’art, on retrouve aussi Véronique de Soultrait qui tresse un monde de motifs formés à partir de corde de coton, moulinée et faite en France. Panneau mural, paravent, tête de lit, pied de table… Inspirée par le travail de la dentelle et du macramé, elle invente un nouveau savoir-faire artisanal et enrichit le travail traditionnel de la maille en l’appliquant à la corde pour façonner des décors uniques.

La corde inspire aussi les artistes. Janaina Mello Landini imagine des installations représentant le système circulatoire du corps humain, les racines du monde, ou encore des toiles d’araignées à partir de cordes torsadées et entrelacées à une toile. 

Sur le site GOODMOOODS : https://www.goodmoods.com/fr/trend-setters/janaina-milhero

Un décryptage imaginé avec la complicité de Plendi by Vinci Construction, qui jongle avec les matériaux rares et savoir-faire singuliers pour ses réalisations d’exception.

Que faites-vous habituellement à ce moment de la semaine ? 

« Je peux être à un shooting, travailler dans mon atelier, être à un rendez-vous commercial… Je n’ai pas de routine particulière. »

Vos derniers projets ? 

« J’ai réalisé un miroir incrusté de plumes d’oiseaux pour la Biennale Révélations des métiers d’arts de cette année. C’est une création née de ma collaboration avec un miroitier. Je suis aussi sur la finalisation d’une pièce de Haute Couture pour une marque dont je ne peux pas encore révéler le nom. »

Vos envies créatives du moment ? 

« Récemment, j’ai commencé un travail autour du luminaire avec un bronzier d’art de la Maison Lucien Gau dans le cadre d’un projet d’hôtel. J’aimerais continuer à explorer ce travail du luminaire avec mes techniques et savoir-faire de plume. »

Votre processus créatif quand vous démarrez un projet ?

« Ce n’est pas toujours linéaire. Tous les ans, je développe des collections de série d’échantillons, qui sont mes premiers moyens de communication avec le client pour montrer mon travail. C’est souvent à partir de ces matières et de nos échanges qu’on s’oriente sur la création. Cela peut également commencer par des croquis, des recherches techniques… »

QU’EST-CE QUI VOUS A AMENÉ À VOTRE MÉTIER ?

« J’ai été formée au design textile et à la création de broderie à Duperré puis à la création de tissage, d’impression et de maille à l’École nationale supérieure de création industrielle (ENSCI). A la fin de mon master de design textile, j’ai commencé à travailler les plumes d’oiseaux, à les intégrer dans des tissages, petit à petit c’est devenu le centre de mon projet de diplôme et quatre années plus tard une carrière. »

Le manifesto de votre studio ? 

« LE DÉSIR D’ENCHANTER. »

Avez-vous un domaine où vous vous sentez plus libre dans votre pratique ?

« Je serai tentée de dire que pour le moment c’est dans le travail de communication visuelle avec les décors de vitrine et d’événementiel que je me sens davantage libre. Ce sont des projets éphémères, ultra créatifs avec beaucoup moins de contraintes d’usage que pour le vêtement ou l’architecture par exemple. »

La plume a-t-elle une symbolique pour vous ? 

« Je pense que cette attraction spontanée que j’ai eu pour la plume est liée d’abord à la beauté de sa matière. J’apprécie aussi ses échos à la magie et au mystère. »

VOS 3 DERNIERS COUPS DE CŒUR ARTISTIQUES ?

« Janaina Mello Landini. Elle travaille les fils et la corde dans une direction bien à elle. En créant des sortes de réseaux tressés qui envahissent l’espace et qui peuvent évoquer des racines ou le réseau internet. J’ai aussi vu une exposition du plasticien végétal Duy Anh Nhan Duc au musée Guimet, c’était incroyable. Et Mylinh Nguyen qui travaille la pâte à modeler pour créer des sortes de chimères entre le végétale et animale est fait également un travail fascinant. »

La dernière adresse qui vous a bluffée ou que vous aimeriez découvrir ?

« Le centre culturel SESC Pompeia à Sao Paulo niché dans une ancienne manufacture. »

Sur le site GOODMOOODS : https://www.goodmoods.com/fr/trend-setters/janaina-milhero

LES CHEVEUX S’EMMÊLENT DANS LE TEXTILE

Le créatif Antonin Mongin développe une approche du cheveu aussi radicale qu’expérimentale. Ancien étudiant au laboratoire de recherche de l’Ensad Lab, il ressuscite une pratique ancienne : celle de nouer ensemble cheveux et matières. Comme le faisaient déjà les artistes du 19ème siècle, récupérant des endeuillés quelques mèches de leur proches, pour en faire des reliques tels que des accessoires, tableaux ou médaillons.

De mèche avec le design textile, le chercheur tisse et tresse le cheveu humain à d’autres fibres organiques et impérissables, y mêle teintures, formes géométriques et autres fantaisies. Avec pour but premier de redonner toute sa place fonctionnelle, symbolique et écologique et esthétique à ce poil sacré.

COULEURS, TIFS ET MOTIFS

Les designers d’objets et artisans s’attachent aussi à couper les cheveux en quatre quand il s’agit d’ennoblir la matière capillaire. À l’instar de Fabio et Martijn Rigters, qui font du cheveu une encre d’ornementation pour les objets et le mobilier. En appliquant une grande quantité de cheveux sur une surface chauffée, le matériau se carbonise instantanément et agit comme une teinture organique. Cette réaction est causée par la principale protéine du cheveu : la kératine.

Davantage brutaliste, Studio Swine fige le poil dans la bio-résine. Le studio intègre mouvements et nuances dégradées à ses accessoires inspirés de la dynastie Qing et de l’ère Shanghai-Deco des années 1920 dans son projet Hair Higway.

Pour Cécile Arnould, le poil est d’abord porteur d’une identité et d’une mémoire qu’elle cherche à matérialiser via des céramiques sculptées dans le cheveu même.

LES NOUVELLES VIES DU CRIN DE CHEVAL

Comme la chevelure humaine, le crin de cheval possède sont lot de surprises dans la création artisanale. Sa longueur, sa brillance et son épaisseur en font un matériau solide, malléable et esthétique. C’est pour ces raisons que la maison Hermès a racheté l’Atelier de Challes, dernière manufacture au monde à tisser le poil chevalin. Ensemble, ils réenchantent le tissu à trame de crin, un savoir-faire quasi disparu.

Au cœur du même atelier, Métaphores, marque pionnière dans le tissage et l’édition d’étoffes, rattachée au département textile de l’ancienne maison de sellerie, imagine des tissus précieux qui mêlent le crin à de nombreuses autres matières organiques : lin, laine, sisal, coton…

Dans un style plus fantaisiste, Röd Studio compose des vases tuftés et agrémentés de mèches chevalines. Des créations poilues de créativité.

LE CRIN DE CHEVAL EN TROMPE L’ŒIL

La démarche est inversée à l’atelier artisanal mexicain Caralarga qui reprend l’esthétique capillaire en trompe l’œil. C’est à partir de fibres 100% végétales comme le coton brut et des restes de tissus abandonnés que l’entreprise fabrique des œuvres aux allures d’atébas XXL ou de queue de cheval dans des nuances allant de l’ivoire nacré aux couleurs de terres foncées.

Sur le site GOODMOOODS : https://www.goodmoods.com/fr/news/experimentations-capillaires

Vos envies créatives du moment ? 

« En ce moment j’ai envie de compositions plus libres. De produire des œuvres d’art plus oniriques. Je suis une boulimique de création, j’ai envie de choses nouvelles en permanence. »

Votre formation ? 

« J’ai fait une formation aux Beaux-Arts en section peinture, puis j’ai été 15 années peintre-décoratrice. J’ai aussi fait une formation chez Les Compagnons du Tour de France. »

Un de vos derniers projets ? 

« La création de la table Beau-Jour pour Laura Gonzalez. Ça a été un véritable travail d’adaptation technique et de créativité. Elle venait d’ouvrir sa galerie Rue de Sèvres et souhaitait des pièces cultes. Elle a donc imaginé cette table basse avec un plateau en lave émaillée et un pied en cordes que je me suis chargée de fabriquer. »

LES INSPIRATIONS LIÉES À CE PROJET ?

« Un univers riche et coloré à l’effigie du travail de Laura Gonzalez. Avec des symboles universels comme le soleil sur le plateau et une envie de matières nobles. »

Les différentes matières utilisées pour ce projet ?

« Des cordes de coton, moulinées et faites en France, de différentes épaisseurs et couleurs. Et puis l’utilisation de teinture produite manuellement au sein de l’atelier pour trouver cette couleur corail. »

Sur le site GOODMOOODS : https://www.goodmoods.com/fr/trend-setters/veronique-de-soultrait

La genèse de l’Atelier Midavaine ? 

« C’est mon grand-père qui a fondé l’entreprise en 1919. C’était un invalide de guerre qui souhaitait se reconvertir dans la laque qu’il avait découverte au début du vingtième siècle avec l’effusion de l’art asiatique. J’ai ensuite repris les rênes de l’atelier en 1994 après mon père. C’est vraiment ma maison ici, j’ai vécu là toute mon enfance. »

C’EST QUOI LA LAQUE ?

« La laque c’est au départ une résine qui se saigne d’un arbre en asie. En Europe, l’espèce d’arbre en question n’existe pas. Les frères Martin ont donc créé le vernis Martin au dix-huitième siècle, qui provient du pin. À l’atelier Midavaine, on utilise de la laque cellulosique. Celle-ci est apparue après la première guerre. Mon grand-père avait fait le choix de l’utiliser car elle sèche très rapidement par rapport aux autres vernis. »

Quel est le processus de travail à l’atelier ? 

« Le projet se construit au fur et à mesure. D’abord nous obtenons une première esquisse artistique de la marque qui vient nous voir. Nous proposons alors une première œuvre dessinée à la main, des échantillons de matières…Et enfin, on se retrouve à un grand rendez-vous commun pour valider définitivement ce que la marque souhaite. Une fois ces premières étapes passées, on passe de un à quatre mois sur la fabrication de la pièce »

Des créatifs qui vous influencent ?

« On est tellement artisans d’arts que toute influence créative se fait dans la collaboration directe avec d’autres artisans. Notre travail est donc d’abord influencé par ces personnes que nous fréquentons. »

Un lieu culturel où retourner chaque semaine ?

« Le Louvre. J’en ai déjà plusieurs fois fait le tour. Paris est une ville culturelle exceptionnelle en soi. »

Forme, fonction ou fantaisie ?

« L’esthétique l’emporte sur le fonctionnel. Mais dans une rigueur absolue. On a sa liberté que dans la règle. »

Votre rôle ici ?

« Je suis d’abord manager. J’ai une vraie connaissance de l’art mais je ne suis pas une artiste. Et je pense que c’est cette alliance de la création et de l’organisation qui peut amener un atelier plus loin. C’est un secret de notre réussite. »

Une pièce design que vous rêveriez d’acquérir ?

« Le fumoir Les Palmiers du grand laqueur et dinandier Joseph Dunand. »

Votre Madeleine de Proust ?

« Chaque recoin de l’atelier Midavaine qui me rappelle mon père et mon grand-père. »

Sur le site GOODMOOODS : Rencontre avec Anne Midavaine, héritière d’un atelier centenaire (goodmoods.com)

L’Onyx du sol au plafond

Pavées d’onyx du sol au plafond, les cuisine et salles de bain modernes se transforment en petits bijoux d’architecture.

Sur les comptoirs, lavabos, baignoires et dallages, la pierre précieuse assoit sa délicatesse avec un veinage toujours unique et raffiné.

Dernier exemple en date : la cuisine d’une maison bavaroise réalisée par le studio Liaigre. L’onyx italien vert s’impose en blocs monolithiques rigoureux qui contrastent avec l’onctuosité des couleurs.

Les objets gravés dans l’onyx

Les designers contemporains laissent derrière eux le classique marbre noir et blanc et s’intéressent aux nuances fascinantes de l’onyx. Ils explorent la sensualité et la beauté naturelles du calcaire translucide à travers des créations lumineuses et terriblement somptueuses.

Parmi eux, le designer singapourien Nathan Yong signe des tabourets, bancs, chaises, tables et étagères inspirés du brutalisme qui contrecarrent la rigidité du matériau en le pliant à la surface pour éviter le gaspillage de la sculpture. 

Il y a aussi le sculpteur de métal milanais Gianluca Pacchioni qui fusionne ses matériaux de prédilection – l’acier, le bronze, le laiton et l’aluminium – à un onyx plus sophistiqué que jamais.

Chez l’artiste mexicain Adrian Cruz, l’onyx rencontre la résine colorée et affiche les capacités luminescentes du matériau à travers une série de lampes inspirées des chutes d’eau calcifiées du Mexique. Des propriétés translucides que l’on voit aussi sur les créations singulières d’Erik Olovsson, cette fois par le biais d’un autre minéral : le quartz.

Le retail ajoute sa pierre à l’édifice

Alors que les marques tentent de se singulariser par des magasins toujours plus instagrammables, les espaces retail s’ornent d’onyx soigneusement usiné et poli. Chez Glossier dans un rose boudoir, chez Céline et Ozlana dans un bleu glacier, chez Forte Forte en version émeraude acidulé… L’onyx et le marbre coloré composent des écrins poétiquement minimalistes qui véhiculent une image de marque luxueuse.

Quand la mode s’y met

La fashion sphère ne manque jamais une occasion de s’approprier les esthétiques ou d’imiter la nature. Dans leurs dernières collections, les créateurs de mode s’accaparent les propriétés captivantes de l’onyx. Résultat : chez Fendi, Mame Kurogouchi, Louis Gabriel Nouchi ou encore Ozlana, les marbrures et veinures de la pierre s’invitent avec originalité dans les vestiaires masculin et féminin.

Sur le site GOODMOOODS : https://www.goodmoods.com/fr/moodboards/cold-onyx

LE DESIGN RENOUE AVEC LA RENOUÉE DU JAPON

Originaire d’Asie, la Renouée du Japon est une herbacée très vigoureuse, elle colonise les espaces riches en métaux : pentes volcaniques, monticules de cendres issues des centrales thermiques à charbon… Elle représente à ce titre un danger pour l’environnement en France, et est systématiquement détruite pour préserver l’écosystème. 

Le Club des Plantes Invasives et l’Atelier LUMA collaborent pour récupérer et valoriser les plants arrachés. Le designer industriel Samy Rio participe à ce projet de transformation. Il étudie comment cette herbe saisonnière change de propriété selon la période de récolte pour créer des petits objets de décoration, ou du mobilier alvéolaire solide. Il en parle avec Hélène Aguilar dans le dernier épisode du podcast Où est le beau ?

34 NUANCES DE RENOUÉE

Les feuilles de la Renouée du Japon sont aussi utilisées par la designer brésilienne/italienne Marina Belintani pour créer des teintures. Elle arrive à extraire de la plante 34 nuances différentes qui oscillent entre le noir et le rouge vif en passant par le kaki et le crème. Outre les colorants, elle transforme aussi la plante en supports textiles et industriels variés : fibre tissée, dentelle fine, couvercle en verre, feuille de bioplastique… 

La designer Brigitte Kock et l’architecte Irene Roca Moracia font aussi des merveilles avec les plantes envahissantes. Au Royaume-Uni, la renouée du Japon et les coquilles d’écrevisses américaines font l’objet d’une éradication massive. Les chercheuses ont donc fusionné ces deux ressources négatives en une ressource positive : un bio-béton poreux aux teintes terreuses. Ce projet a été commandé par le programme Maison/0 qui vise à développer une alternative durable aux matériaux de construction actuels pour les magasins de luxe du groupe LVMH.

LE BAMBOU TISSE SA TOILE DANS LE DESIGN…

Moins envahissant mais tout aussi polyvalent, le bambou pousse également dans les matériauthèques des designers. Comme le chanvre, sa production est rapide et il nécessite peu d’eau. Concernant son travail, il se décline largement : tissé, tressé, plié, sculpté, laminé… Les designers aiment aussi l’assembler à d’autres matériaux.

La designer taïwanaise Liang Jung basée à Londres a créé avec 7 artisans de son pays une chaise qui fusionne six savoir-faire et matériaux locaux : le tissage de ramie, de joncs, de papier, de rotin, d’écorce et le laminage de bambou. Le tout dans une esthétique raffinée-sophistiquée.

Il y a aussi l’artiste japonais Shigeo Mashiro, fondateur du studio SFERA qui entremêle le bambou minutieusement tressé et découpé et de la porcelaine fine dans son projet Air vessel 52.

Sur le site GOODMOOODS : https://www.goodmoods.com/fr/moodboards/terre-cuite

Quel jour ? Quelle heure est-il ? Que faites-vous habituellement à ce moment-là de la semaine ?  

« Vendredi matin. Je n’ai pas d’habitude particulière. Souvent le matin, j’organise mon temps dans mon atelier de Maison Alfort et l’après-midi je m’occupe de ma relation avec les clients, les projets en cours ou je me déplace de l’atelier. »

VOS ENVIES CRÉATIVES DU MOMENT ?

« En ce moment je travaille sur une collection que j’ai appelée Metamorphosis. C’est un projet autour des formes de la nature, de ce qu’elles deviendraient si elles étaient des pièces de mobilier ou des œuvres murales par exemple. Je m’inspire beaucoup de l’eau pour faire des œuvres minérales et surtout des lumières, des sensations qu’elles apportent. Mes créations s’inspirent toujours de la nature. »

LE PROJET QUI VOUS OCCUPE LE PLUS EN CE MOMENT ?

« J’en ai plusieurs actuellement. Je travaille à la création d’un revêtement mural pour une des boutiques de Cartier en collaboration avec Plendi by Vinci Construction et j’ai également ce projet d’une grande œuvre unique à Arcachon au sein d’une maison à l’anglaise en bord de mer. Je travaille aussi sur une autre œuvre inspirée des carrières blanches des Baux de Provence pour une boutique à Genève. »

UN MATÉRIAU RÉCEMMENT UTILISÉ ?

« J’ai un rapport particulier, presque alchimique à la matière puisque je l’invente. Je vais utiliser autant du minéral, du végétal, que du métal. Elle est le résultat d’un travail spécifique de transformation que j’entreprends. »

QU’EST-CE QUI A FAÇONNÉ VOTRE GOÛT ?

« L’observation des matières. Déconstruire et reconstruire les choses. Je stocke des matières et je décide de les transformer à un moment ou un autre. »

Un colormatch du moment ? 

« J’en ai en permanence. Jaune impérial, gris, terre… beaucoup de couleurs se marient très bien. »

Un coup de cœur artistique ? 

« L’exposition des sculptures de Charles Ray à la Bourse du Commerce. Ça a été un enchantement absolu. »

Une pièce design que vous aimeriez acquérir ? 

« Je marche essentiellement au coup de cœur. Je ne sais jamais d’avance. J’achète surtout des œuvres pour leur couleur ou leur matière. »

TROIS ARTISTES QUI VOUS INFLUENCENT ?

« J’aime beaucoup le mobilier de Christian Liaigre, de Ron Arad et de Charles Eames. »

Ron Arad

Charles Eames

Christian Liaigre

Une adresse qui vous a marqué ? 

« Même si ce n’est pas nouveau, La boutique de l’Eclaireur rue Hérold. C’est un lieu hors du temps, rare et fait par des gens passionnés. »

L’ARCHITECTE QUI CONSTRUIRAIT LA MAISON DE VOS RÊVES ?

« Kengo Kuma. Il a une vraie notion de l’espace. Et j’aime beaucoup la façon dont le vide est traité dans la culture architecturale asiatique. »

Une scénographie de film qui vous a marqué ? 

« Le Pont de Bernhard Wicki. C’est un vieux film de 1959 tourné en noir et blanc sur la fin de la seconde guerre mondiale. Il a une qualité de lumière incroyable. »

Sur le site GOODMOOODS : https://www.goodmoods.com/fr/moodboards/terre-cuite

UN DESIGN SENSIBLE ET BRUT

Les artisans inventent un langage design à part en renouant avec la Terracotta qui signifie littéralement « terre cuite ».

Celle-ci donnant aux objets un aspect à la fois brutaliste, lié aux aspérités naturelles, et irrémédiablement fragile car dénué de toutes autres protections. Eny Lee Parker, Frederic Pellenq et Chris Wolton n’hésitent pas à utiliser cette dernière pour créer des meubles à l’essence mystique.

LA TERRE EN TOTEM

Matériau ancestral utilisé à l’ère du paléolithique pour former des Vénus et figurines animales, la Terracotta sert encore aujourd’hui de support de représentations.

La preuve avec les créations tubulaires mystiques d’Olivia Cognet dont les éléments se juxtaposent ou se plient comme de fines feuilles l’une contre l’autre. Ou bien encore dans le travail de The Latch Key Ceramics ou l’esprit totem s’immisce grâce aux objets pleins de reliefs variés, d’ornements et sculptés dans des formes rappelant le caractère vivant de la terre.

EN ARCHITECTURE : DES PANNEAUX COMME SCULPTÉES

La terre cuite fait aussi dans les formes quelque peu acérées et sert de revêtement ornemental dans les créations des artisans. A l’instar des frères Ronan et Erwan Bouroullec et leur collection Bloc, série de carreaux troués de formes ovales fabriquées à partir de Terracotta. 

Dans un autre style, Mother Pearl, bubble tea vegan et éco-responsable au cœur de Tokyo, utilise la douceur naturelle de la terre cuite sous des formes géométriques pour résonner avec ses valeurs green en misant sur une alliance pastelle d’ocre naturelle et de vert olive.

MERDACOTTA

Qui a dit qu’il fallait être un artiste ou un intellectuel pour créer de l’artisanat green ?

Certainement pas Gianantonio Locatelli fondateur de Merdacotta, une entreprise basée sur la récupération de déchets de bouse de vache servant à la création de divers mobilier.

Meubles, vases, pots, vaisselles se déploient dans des tons beige à chocolat avec des nuances blanchâtres propre à la matière…

MATTEO BRIONI : NÉO-ARTISANS DE L’ARGILE

Enfin, l’agence Matteo Brioni, récompensée par la prestigieuse Menzione d’Onore Compasso d’Oro ADI, est aussi un fidèle de la terre rouge.

Le studio la compose lui même, l’adapte et la customise selon le support et la direction artistique choisie. Pour la boutique Furla à Milan, Matteo Brioni s’est tourné vers la MultiterraSmooth, un enduit de finitions à base d’argiles à gros grains qu’il n’hésite pas à réinventer dans des tonalités plus douces que l’ocre foncé habituel.

Tandis que le Flagship de Ferrari à Maranello a été habillé de la Terra VistaSmooth dans une version à la lisse et blanchie et dans un style néo-futuriste assumé.

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